Bund, 25 janvier 1967, n° 34

Dans une vaste exposition personnelle, le Kunstmuseum Bern présente l’œuvre complexe de Beat Zumstein, un artiste bernois qui vit et travaille à Paris depuis quinze ans. Dans les années 1940, Beat Zumstein a fréquenté les écoles d’art locales, a suivi une formation de graphiste, de sculpteur et de peintre, puis a entrepris une série de voyages d’étude et d’art en France, en Angleterre, en Espagne, en Italie, en Afrique du Nord et en Grèce. Presque sans exception, le paysage et la figure humaine sont les porteurs des motifs des œuvres du Parisien-Bernois. L’exposition – largement structurée chronologiquement – permet un aperçu presque complet de l’évolution technique et stylistique, de la croissance des moyens créatifs avec lesquels la gamme assez étroite de motifs est interprétée, dans une expressivité toujours nouvelle. Les débuts sont proches de l’expressionnisme allemand, ce qui est particulièrement évident dans les fortes gravures sur bois de 1949 et 1950, où l’on pense immédiatement à Munch, et dans la sculpture sur bois (« Judith ») avec ses ferrures expressives en aluminium. La peinture de cette époque est très sombre et divisée en zones strictement structurées. Néanmoins, il semble encore assez figuratif. Le rapport à l’objet, au motif immédiat, se détache cependant de plus en plus avec le passage progressif à la couleur. En fin de compte, les peintures de Zumstein deviennent des jeux de couleurs abstraits dans lesquels l’humeur des couleurs, la proportion des surfaces et la structure de la peinture sont les sources de tension les plus importantes. Rarement une évolution aussi harmonieuse, on pourrait presque dire organique – vers une abstraction complète – peut être poursuivie dans la peinture. Une image semble se détacher de l’autre. A partir d’architectures claires, semblables à des vitraux, de groupes d’arbres décrits en détail, nous arrivons pas à pas à des paysages de couleurs intenses avec des noms de grottes et de rochers, qui témoignent de la puissance originelle de l’amour de la couleur. Beat Zumstein passe ici du dessin de nu au fusain, aux contours sobres, à un réseau de lignes cristallines libres, qu’il transpose également à la technique de l’aquarelle. Mais même de cette façon, le peintre finit par se passer de toute trame de lignes pour aboutir à des strates de peinture légères et dissolvantes qui rappellent les vieux paysages japonais. C’est une tâche louable que le Kunstmuseum de Berne a assumée avec cette exposition spéciale, car elle nous fait connaître en détail le travail remarquable d’un contemporain, dont l’essentiel n’a jamais été vu auparavant dans sa ville natale

Berner Tagblatt, 22 janvier 1967

Retrouvailles avec un peintre bernois : Beat Zumstein au Kunstmuseum. Avec la petite exposition actuelle au sous-sol, le Kunstmuseum rappelle aux Bernois l’existence d’un peintre qui est à Paris depuis dix [sic, en fait 16] ans. Beat Zumstein, né à Berne en 1927, a suivi une formation de graphiste à l’École des Métiers et à l’École Technique Supérieure de Bienne. Il a fait un stage de sculpteur et a eu un atelier de sculpture à Berne, juste avant de s’installer à Paris. Lors de quelques expositions dans sa ville natale, il a montré des sculptures, des gravures sur bois et des dessins. L’exposition du Kunstmuseum comprend 89 numéros, et témoigne d’une œuvre sereine développée à partir des premières créations. Les gravures sur bois polychromes, toujours de la période bernoise, traitent du thème central de l’artiste dans une simplification expressive : le paysage et l’homme. Plus tard, dans ses dessins, ses aquarelles, puis dans un nombre croissant de peintures à l’huile, le paysage apparaît sans figuration, mais dans un rapport encore plus fort à l’homme. Le caractère expressif prend le pas sur la ressemblance avec la nature, les relations de rythme et de mesure deviennent déterminantes. Le dessin gagne en structure, la peinture en rythme. Les couleurs et les valeurs de luminosité prennent forme, se différenciant les unes des autres, non seulement en termes de tension ; dans de nombreuses images, le champ de la peinture est orienté, le trait prédominant est la diagonale (comme la pluie dans le vent). Qu’une peinture soit reconnaissable au sens naturaliste, seulement imaginable ou même pas : le spectateur ressent la même immersion calme dans le rythme et le mouvement du monde que devant les gravures sur bois.  L’œuvre sculpturale se compose d’une seule figure, « Judith » (1950), en bois recouvert d’aluminium : elle aussi trahit davantage un regard méditatif que spatial et corporel. Cette exposition généreuse dure jusqu’au 5 mars.

Neue Berner Zeitung, 23 janvier 1967

Une exposition sur l’œuvre du peintre bernois Beat Zumstein a été inaugurée vendredi soir au Musée des Beaux-Arts de Berne. Dans un discours, le conservateur du musée, le Dr Hugo Wagner, a notamment attiré l’attention sur la personnalité de ce peintre contemporain qui a su s’imposer contre toute attente dans la compétition artistique à Paris, principale sphère de création de Beat Zumstein. La source de son inspiration est en grande partie constituée par les paysages du sud de l’Europe. Ses œuvres, composées de peintures, d’aquarelles, de dessins et de gravures sur bois, expriment une grande passion pour la structure. 

TGW, 27 janvier 1967

Berner Kunstmuseum. Exposition Beat Zumstein

De manière presque inattendue pour les visiteurs bernois, on aperçoit tout d’abord dans l’exposition une haute fenêtre de verre, ou du moins l’image de celle-ci : le vitrail de la Petruskirche de Berne est l’une des premières impressions des visiteurs de cet espace sacré. Elle a été créée en 1963 et la référence est importante car elle contraste fortement avec le reste de l’œuvre créée cette année-là. Le peintre, né en 1927, bientôt quadragénaire, nous montre une évolution qui commence à partir de 1949/1950 et semble subir pour l’observateur superficiel un changement complet, jusqu’en 1966. Je ne sais pas combien d’amis et de connaissances Zumstein a dans le pays, mais ils sont sans aucun doute issus des premiers jours de sa carrière artistique. En 1950, il avait 23 ans et a peut-être payé pour les fameux « grands espoirs » de l’époque. Depuis des années, il vit et « tient bon » à Paris, et cela depuis 15 ans, « dans la ville des innombrables artistes » comme l’écrit Hugo Wagner dans le catalogue. Dans les années 1949-1950, c’est-à-dire avec ses premières œuvres exposées publiquement, il ressemble encore à un « figuratif concret ». Dans le hall arrière, cinq gravures sur bois de ces années-là et deux de 1949 sont exposées. Ce sont, pourrait-on dire, des « couleurs sombres », selon l’expression de Hermann Hesse, étonnante dans le dessin, « expressionniste » dans la posture, sans tomber dans les techniques qu’on attend. Je m’émerveille devant « Tolède », le « Bateau Ivre », puis « Amiens » et « Rouen » et la sinistre « Ruelle », qui appartient au Kunstmuseum, tandis que le reste, à l’exception de trois, est en collection privée. Le saut vers les œuvres des années soixante offre au spectateur tout un cheminement intérieur, jusqu’au détachement complet de « l’apparence de l’objet ».  Enfin, nous nous trouvons devant une peinture « monochrome », pour ainsi dire, où une couleur passe à travers toutes les autres du clair au foncé. La « Sierra et Guadarrama », « Forêt de Fontainebleau » ou la « Tour de Babel » n’ont été que l’occasion de façonner une lourde histoire intérieure. Le prisonnier dans la cage métallique de la « Tour de Babel » exprime des similitudes avec la tête du vagabond et les formes implicites des têtes des monts entre les immenses feuillages de la « Sierra ». C’est une image effrayante : l’homme captif et caché dans la nature démoniaque – ou la ville démoniaque. Les plus récentes, qui vous regardent comme des pierres précieuses polies – peut-être les eaux « souterraines », sont en revanche des « ravissements ». -kh-

Bantiger Post n°7, vendredi 17 février 1967 & Berner Haushalt, 15 février 1967

Le peintre Beat Zumstein au Musée d’art de Berne

(…) L’École de Paris est devenue décisive pour lui, toute en bouleversements et avancées dans l’inconnu. Mais ce Français, avec toute la mondanité acquise sur le sol gaulois, le cosmopolitisme, s’enrichit par ses séjours dans le Sud, par les randonnées, les séjours sur le lac de Garde, les voyages en Grèce.

(…) Comme tout artiste qui ne se laisse pas emporter par la mode, qui ne se soucie pas de cultiver le succès public, Zumstein doit aussi composer avec ce que le temps lui donne. Comment adopte-t-il la tradition, les divers courants de l’École de Paris, comment trouve-t-il l’expression personnelle qui lui est propre ? Zumstein part de la gravure sur bois expressionniste, il aime Munch et Klee. Dans ses premières estampes, dans les différentes versions du « Bateau ivre », dans ses vues des villes d’Amiens et de Rouen, vastes et audacieusement construites, on sent l’influence du maître nordique. Ces sections colorées sont sombres, l’atmosphère est subordonnée à des structures fixes, la figure humaine est accordée au ton global souhaité.  

L’ombre et le sang chaud vivent aussi dans les paysages des premières années 50. En eux, le parfum des plantes se répand, où la tour de Babel s’élève à pic dans le ciel, et une tête humaine jaillit de grilles et de branches ici et là – signes d’une peinture symboliquement chargée. Avec le temps, l’artiste se tourne vers le paysage pur. Il respire avec force dans sa « Forêt de Fontainebleau », dans les branches noueuses et à large toit de puissants troncs porteurs. Ensuite, le peintre les met en valeur. Dans ses villes espagnoles, dans les silhouettes des murs qui s’élèvent dans l’obscurité de Tolède, de Ségovie. Dans la « Ville ancienne » de 1956, Zumstein met l’accent sur la structure architecturale. Les ponts, les superstructures en forme de tour remplissent le tableau, en dessinant des diagonales et des verticales strictement liées. Les couleurs sont maintenant plus claires, plus légères. De plus en plus, l’artiste stylise et rassemble les formes dans un jeu décoratif. Par exemple dans le « Bois aux Loups », dans la « Forêt verte ». Ici, les formes sont simplifiées, combinées et rapprochées pour former des structures en forme d’arcs et de segments. L’objet individuel s’efface dans le fond, s’intégrant dans un ensemble. Il s’agit d’une structure supérieure, de l’effet de la couleur. Dans son Küstenlandschaft de 1957, les formes du paysage se sont dissoutes en angles, triangles et bandes violemment imbriqués. L’image est réglée sur des couleurs froides.

Les années soixante montrent l’artiste sur le chemin du tachisme. Alors que dans les premiers tableaux de ce type, il ajoutait les zones de couleur carrées et rectangulaires jointes de manière quelque peu étroite et brève, il s’est bientôt montré plus audacieux, il a obtenu des harmonies et des transitions plus profondes, plus fines et plus douces, et dans ses œuvres les plus récentes, il a mûri pour produire un jeu de couleurs merveilleux et expressif. Parfois plus brossées, parfois plus empâtées, des formations semblables à des nuages s’agglutinent, puis sur un autre panneau se fondent à nouveau dans des formes plus fortement encadrées. Zumstein est également un dessinateur efficace. Il dessine le corps humain à partir de quelques lignes légèrement oscillantes, d’un ovale, d’un cercle qui fait ressortir un visage, un buste. Dans ses dessins au fusain, ses escaliers et balustrades, ses arcs et façades, il évoque toutes sortes d’éléments de construction par des touches de balayage uniformes. Dans ses aquarelles, qui sont accordées à des tons de gris, de bleu et de noir et blanc, l’objet s’efface tranquillement dans l’abstraction. Ne.